Los retratos de El Fayum

Fechados en los tiempos de la ocupación romana en Egipto, los retratos de “El Fayum” son unas pinturas que cubren los cuerpos momificados para su enterramiento, encontrados en la región egipcia de “El Fayum”, de ahí el motivo del nombre.

Los retratos de "El Fayum".
Los retratos de “El Fayum”.

Los retratos tenían que ser lo más parecidos al difunto para así poder ser reconocidos tras su muerte, estaban realizados en dos técnicas pictóricas diferentes , al temple y mayoritariamente a la encáustica.

Los retratos de "El Fayum".
Los retratos de “El Fayum”.

La característica de la encáustica es el uso de la cera como aglutinante para los pigmentos, una mezcla densa y cremosa que se aplicaba con un pincel y una espátula caliente terminando puliendo la pieza con trapos de lino sobre una capa de cera caliente previamente extendida para protegerla (a este termino se le conoce como encaustización).

Alegorías al buen gobierno, Ambrosio Lorenzetti.

“Alegorías al buen gobierno”, se realizó entre el 1337/39 por el pintor de estilo gótico italiano Ambrogio Lorenzetti. Este fresco excepcional nos narra por primera vez el modo de vida medieval de la Siena del siglo XIV, en el vemos detalles de la arquitectura de la época, los talleres de artesanos, las vestimentas y las diferencias de las clases sociales.

El fresco se encuentra en el Palacio Público de Siena, que en el momento era la sede del gobernador de la ciudad, y que junto a este fresco mando pintar otro que representaba totalmente lo contrarío, “las alegorías del mal gobierno”.

En época gótica las pinturas contenían un gran valor simbólico como ocurre en este cuadro, podemos ver las figuras femeninas que aparecen en primer plano simbolizando la paz, la fe, la fortaleza, y la justicia mientras que el resto de personajes aparecen en menor tamaño, para dejar claro que ningún cargo ni poder esta por encima de los valores y el civismo que representan la ciudad.

El enigma de Hitler, Salvador Dalí, 1939.

Raras y difíciles eran de comprender las inquietudes políticas que tenía Salvador Dalí con algunos de los líderes que más vidas han sesgado a largo de la historia, como Hitler, Stalin o Franco, en el año 1939 realizó este óleo titulado “El enigma de Hitler”.

Para Dalí el dictador alemán significaba la imagen perfecta del “Maldoror” que era el arcángel del mal que luchaba de diferentes formas contra Dios, pero a la vez sentía una extraña fascinación por este “masoquista integral” que parecía poseído por la idea fija de desencadenar una guerra para perderla luego heroicamente.

La obra es una gran metáfora de lo que esta a punto de suceder, es el preludio a la gran guerra, una rama de olivo que simboliza la vida recién podada, en la que cuelga un teléfono roto eludiendo a los numerosos intentos del político inglés, Neville Chamberlain por evitar el conflicto, también en el teléfono vemos en la parte inferior como se asemeja a las pinzas de una langosta, alegoría del pintor al dolor.
Debajo del teléfono hay un plato en donde aparece una foto del que será el máximo responsable del conflicto que se le avecina a Europa, unas pocas judías advierten de la gran hambruna que se extenderá por todos los territorios en conflicto, y al fondo un perro negro que parece el cancerbero de la vida y la muerte.

Las Meninas de Picasso.

En el verano del 1895 en un viaje de Málaga a Coruña y con tan solo 13 años de edad, Pablo Picasso visitaba el Museo del Prado de Madrid, para por primera vez ver las obras del artista del siglo de oro español, Diego Velázquez.
Aprovecho para hacer algunos bocetos de lo que tanto le había entusiasmado del artista andaluz, algo que seguirá haciendo dos años más tarde cuando se instale en Madrid.
Ya en el verano de 1957 homenajeando los trescientos años de la creación de “Las Meninas”, realizó este óleo monocromo en el que podemos apreciar diferencias como el formato horizontal al vertical del original, la luz que entra por las ventanas, la composición triangular y el espacio y la perspectiva plana y central.
Picasso no pretendía hacer una copia de la original sino un tributo mediante su propia interpretación cubista de la obra.

Los tres músicos, Pablo Picasso.

En el año 1921 en Fontainebleau (Francia), residía el artista malagueño Pablo Picasso, en donde pintó “Los tres músicos” en el periodo conocido como “cubismo sintético”, que la diferencia que tenía con el anterior (cubismo hermético) era que el lenguaje no era tan abstracto y podía entenderse mejor por el espectador.
En el cuadro vemos tres músicos, un arlequín con una guitarra, un pierrot con un saxofón y el monje que sostiene una partitura (única imagen que parece intacta de como la conocemos en realidad), además del perro que vemos entre las piernas de los músicos.
El Arlequín es un personaje muy recurrente por Picasso en muchas de sus obras, ya que lo considera como a un artista, capaz de camuflar la realidad ya sea por sus trucos o por su interpretación.

La mirada del otro, escenarios para la diferencia.

Este mes de Junio se ha presentado en el Museo del Prado de Madrid, una exposición inscrita dentro del marco de actividades con motivo de la celebración del World Pride de Madrid 2017.

La exposición recorre una colección de obras permanentes ya expuestas en su mayoría en el museo, a través de una selección de 30 obras formadas por pinturas, esculturas y dibujos pertenecientes a algunos de los mayores genios y artistas de la historia como Ribera, Rubens, Caravaggio, Botticelli o Goya entre muchos otros. El relato expositivo nos hace un recorrido a lo largo de la historia en cuatro partes en la que tratan sobre el “concepto del amor” entre iguales, en como se ha vivido desde la época clásica hasta día de hoy, pasando por la aceptación, el rechazo y la persecución y la intolerancia que ha sufrido a lo largo de la historia.

Distribución de la exposición:

1. Amistades inmortales.

Como bienvenida a la exposición, el Museo del Prado nos traslada al periodo Clásico de Grecia y Roma previa al cristianismo en donde había tolerancia y aceptación, y se vivía con naturalidad las relaciones entre iguales.

Antinoo 131 - 132. Mármol blanco de Carrara, 97 x 70 cm.
Antinoo, 131 – 132.  Mármol blanco de Carrara.

Una de las leyendas es que Antinoo era un joven que salvó al emperador Adriano, y este le rindió culto por la admiración y la supuesta relación que tuvieron, construyó multitud de templos y esculturas en su honor.

2. Perseguir los deseos.

Una época y periodo cruel de la historia, culpa de los prejuicios religiosos y los tribunales civiles en que los hombres y mujeres que tenían relaciones con personas del mismo sexo eran acusados, humillados y muchas veces sacrificados. Fue un periodo en el que se persiguió a artistas y obras en donde las relaciones entre iguales estaban penalizadas y castigadas.

Escenas de La historia de Nastagio degli Onesti 1483. Técnica mixta sobre tabla, 83 x 138 cm.

3. El cuerpo y su imagen.

Siguiendo con el mismo periodo de intolerancia, comenzaron a aparecer otras formas y transformaciones en la sociedad en donde mediante personajes disfrazados se comienza a ver a individuos travestidos o de transgénero con ropa de mujer, aunque fuese más bien como significado de mofa o burla.

 

Hermafrodito Matteo Bonuccelli Bronce, alto: 61 cm.; ancho: 160 cm.; fondo: 60 cm 1652
Hermafrodito,1652, Matteo Bonuccelli, escultura de bronce.

4. Amar como los dioses.

Ya casi a finales de la exposición podemos apreciar como con el tiempo todas esas obras que fueron perseguidas a partir del cristianismo y de la Edad Media, comenzaron no a ser toleradas sino más bien aceptadas en las élites más cultas en donde el prejuicio de la iglesia y de las persecuciones civiles ya no tenia cabida. Se aceptó este tipo de iconografía, pero más bien como algo del pasado, como de cuentos, dioses y mitología que seguían sin ser bien vistas como practica en la sociedad de la época.

El rapto de Ganímedes 1636 - 1638. Óleo sobre lienzo, 181 x 87,3 cm.
El rapto de Ganímedes, 1636 – 1638. Óleo sobre lienzo.

Otras miradas

Como si ya la exposición no pudiese ser más completa y con todas estas grandes obras de artes, se le añaden dos obras excepcionales y poco conocidas como son “El maricón de la Tía Gila de Goya”, y el Cid de Rosa Bonheur, que se despiden de una de las grandes exposiciones que podremos visitar en este país hasta el 10 de Septiembre de este mismo año.

 


VIDEO DE PRESENTACIÓN DE LA EXPOSICIÓN

Si pudieseis visitar un momento de la historia, ¿Cuál escogeríais?

Hace unos días os hicimos una pregunta desde nuestra cuenta de Instagram en la que os proponíamos cuál sería el momento de la historia que os gustaría ver o estar.

Entre todas vuestras respuestas han habido una gran variedad de momentos y periodos de la historia elegidos, algunos muy populares y otros muy originales, a continuación os presentamos una selección de estos.

LAS MÁS POPULARES
1. LOS MARAVILLOSOS AÑOS 20 DE PARIS Y NEW YORK.

Y como no se va a escoger esta época tan gloriosa culturalmente hablando en donde convivieron tantos estilos y artistas de todo tipo como Salvador Dalí, los Fitzgerald, Hemingway o Pablo Picasso entre tantos otros.

Escena de la película de Woody Allen, Midnight in Paris.

Arquitectura Art Deco
Arquitectura Art Deco de la ciudad de New York.
2. LA CONSTRUCCIÓN DE LAS PIRÁMIDES.

Tampoco podían faltar unas de las grandes maravillas del mundo, envueltas siempre de misterio y aun sin descifrar con exactitud como se construyeron. Una gran cantidad de seguidores han confesado que uno de sus grandes deseos sería el de poder estar en ese momento sin duda espectacular de la realización de estas grandes construcciones del mundo antiguo.

Pirámides de Gizeh.
Pirámides de Gizeh.
3. LA ÉPOCA DE ESPLENDOR DE GRECIA Y ROMA.

Que nadie se enfade si ponemos a Grecia y Roma en el mismo sitio, la mayoría de seguidores que han escogido una de estas dos, han tenido dudas y no han sabido por cual de las dos decantarse, cosa que no nos extraña ya que incluso a nosotros nos cuesta decidir entre cual de estas dos grandes civilizaciones nos decidiríamos.

La escuela de Atenas, Rafael Sanzio, 1510-1511, realizada en el renacimiento.
La escuela de Atenas, Rafael Sanzio, 1510-1511, realizada en el renacimiento.
Los romanos de la decadencia, Thomas Couture, 1847.
Los romanos de la decadencia, Thomas Couture, 1847.
LAS MÁS ORIGINALES
1. VIAJAR EN EL TIEMPO PARA IMPEDIR UN ATROPELLAMIENTO.

Una de las propuestas más interesantes es la que nos ha realizado un seguidor explicándonos que viajaría en el tiempo al 10 de Junio del 1926, para impedir que un tranvía atropellara a uno de los grandes arquitectos de la historia de España, el gran Antoni Gaudí i Cornet. Y no solo para salvarlo si no para darse también una vuelta con el por la Ciudad Condal.

Arquitecto Antoni Gaudí i Cornet.
Arquitecto Antoni Gaudí i Cornet.
2. VIAJAR AL CALIFATO DE CÓRDOBA.

Otra de las propuestas originales que nos han llegado de varios de nuestros seguidores es la de viajar al califato, no solo para verlo, sino para introducirse en su cultura, escuchar su música andalusí y sefardita y disfrutar de los dominios que tenía esta cultura en la medicina, la arquitectura y la agricultura.

Patio de los leones de la mezquita de Córdoba.
Patio de los leones de la Alhambra de Granada.
3. ASISTIR A UN CONCIERTO DE UNO DE LOS MAYORES GENIOS DE LA HISTORIA.

Tampoco han faltado varias menciones y peticiones de viajar a grandes conciertos y eventos musicales de la historia, pero uno de los más nombrados ha sido el del genio alemán Ludwig van Beethoven.

Ludwig van Beethoven.
Ludwig van Beethoven.

GRACIAS A TODAS Y TODOS POR PARTICIPAR.

Han habido muchísimas propuestas que también nos han gustado (Belle Époque, la época Victoriana, las pinturas rupestres de Chauvet, etc.) y no os preocupéis si la vuestra no ha sido publicada ya haremos la pregunta más veces para que más seguidores podáis participar.

Nos interesa mucho vuestra opinión y que nos hagáis llegar vuestras preferencias y gustos culturales y artísticos, así que desde “El síndrome de Stendhal”, muchas gracias por participar con nosotros, y os seguimos preguntando, si pudieseis, a que periodo de la historia viajaríais?

Vista de Delft, de Johannes Vermeer.

Este maravilloso óleo sobre lienzo fue realizado entre los años 1660 y 1661, por el artista holandés Johannes Vermeer (Delft, Países Bajos, 1632 – 1675) que en realidad era marchante de arte y que por su detallismo y dedicación pintó muy pocos cuadros, unos cuarenta aproximadamente a lo largo de su vida.

Vermeer igual que ha pasado con otros muchos genios a lo largo de la historia, tuvo poca fama y prestigio en vida, algo que con el paso de los años cambió, considerando algunas de sus obras como “las primeras del impresionismo” aunque sin duda su arte se corresponde con una de las tríadas artísticas más famosas, junto con Franz Hals y Rembrant, el barroco holandés .

Por lo general la obra del artista eran escenas de la vida cotidiana, aunque en el el caso de “Vista de Delft” apreciamos el gran dominio que tenía en pintar paisajes. La composición del cuadro esta divida en tres partes, en el plano superior vemos un gran cielo azul con nubes claras y en la parte superior algo más oscuras, en la parte central a modo de muralla visual vemos la arquitectura de la ciudad de Delft, y en la parte inferior el agua con un leve reflejo que insinúa la arquitectura de la ciudad y más abajo un pequeño grupo de figuras pintadas, todo con una precisión majestuosa.


CURIOSIDADES

Un dato importante es que en este periodo de la historia en los Países Bajos había un gran poder económico gracias a la importación y la fabricación asiática que tenían la sede en este país.

 

El caminante sobre el mar de nubes, Caspar David Friedrich.

El caminante sobre el mar de nubes, fue realizada entre los años 1817/18 por el artista y pintor  estandarte del Romanticismo alemán, Caspar David Friedrich.

Para entender este óleo hay que situarse en la etapa histórica en la que se realizó, el siglo XIX. Fue una época de grandes cambios en Europa como la revolución francesa, que sirvió de inspiración para todo el viejo continente o el periodo en donde se inicia la primera gran revolución industrial.

Es una etapa en la que se cambia de la universalidad del clasicismo a el individualismo del Romanticismo, en que cambia lo tradicional y se comienza a innovar y en dar un nuevo “sentimiento” más profundo al ser humano, en el que se busca misticismo y un significado más profundo en las obras que realizarán los artistas.

Es la primera vez en la historia que el artista será considerado como tal, y no como un sirviente, no necesitará tener un mecenas o estar subyugado a las ordenes de la nobleza, sino que nacerán las primeras galerías, en donde los artistas como Friedrich podrán exponer y vender sus obras.

En el cuadro vemos a un hombre de espaldas que mira hacia el horizonte en las montañas de la Suiza Sajona, ataviado con ropajes de la época apoyado en su bastón y con el pie izquierdo hacia adelante. Existe la teoría de que el autor estuvo refugiado en estas montañas por motivo de las guerras napoleonicas.

Friedrich es un enamorado de la naturaleza y de los paisajes como vemos en la mayoría de sus obras, además de ser algo característico del periodo Romántico, en el que el paisaje siempre suele ser el protagonista.

El caballero que vemos divisando el horizonte se ha identificado muchas veces con el propio autor del cuadro, un personaje muy creyente y espiritual que quiere plasmar en la obra este sentimiento metafísico relacionando las rocas donde esta de pie con el mundo terrenal, las nubes con la divinidad y las cadenas montañosas con la vida después de la muerte.

En este maravilloso óleo sobre tela podemos apreciar como el artista hace un contraste excepcional entre colores claros y oscuros, dando gran  importancia tanto al caballero que culmina la roca triangular en colores oscuros como el fondo luminoso y sereno que hacen de ambos tonos una fusión fascinante.